有一种花的花名叫油画吗？

一、有一种花的花名叫油画吗？

朋友，你好

确实有一种花的花名叫油画

很多人不认识这种花

因为它长在比较深山的野里

二、油画中.如何掌握画花的技巧

刮刀画法，讲究的是小3维，除了在条油画颜料的时候注意以外，还要看好调色板上的其它颜色，有意无意的带上其它颜色，一方面解决了层次问题，也就是花瓣的问题，一方面可以区分黑白灰的关系，有时候还会有意想不到的效果。

三、梵高的作品，阿尔地方的花园里有什么花

梵高在阿尔小镇画里的花当然以向日葵为主，也多次出现鸢尾花。花为蓝紫色，超宽韭菜样的叶子。鸢尾花在国内也有，异常美，特别是雨后的鸢尾花美得令人想哭。

四、关于提香的《花神》。、

花神》提香(1478-1576年)

花神原为希腊神话中的女神芙罗拉。意大利人把每年的 4月28日至5月3日定为花神节，在节日期间人们欢聚在一起尽情地嬉戏乐，人们用各种鲜花来装饰自己和动物，环境也布满花草，集会时有花神出现，往往是手持鲜花的年轻貌美的女子装扮。

历来画家都喜爱借用神话中的女神来表现自己的审美理想，传达人性、人情和人爱的思想感情。这是一幅肖像性很强的主题性绘画，画中是位手持花束的威尼斯美人，整个形象就像盛开的鲜花令人倾慕。据说画中女子是画家当时热恋的情人，画家只是借神话之名，表达自己对情人的爱慕之情。画家以半身肖像构图。画中人转身俯视，目光专注作沉思神态；似乎由于转身的动态而使宽松的内衣自然滑落，裸露出丰腴的酥胸；金黄色的秀发披撒在圆浑的双肩上，与充满生命的肉体形成对比，使健壮的身体透露出青春活力，整个形象给人以庄重、典雅之感。提香是一位伟大的色彩大师，他特别强调色彩的和谐，绘画笔触要服从于色彩与光线对比的需要，笔触不仅要刻画对象的质感，同时笔触的动态起着塑造形体结构和传达情绪的作用。我们在花神的形象上看不到笔触和色彩，映入眼帘的是真实的秀发、肉体和服饰，它们之间所富有的节奏韵律恰似一首优美和谐的交响乐曲。

“《花神》是提香在1515—1520年间的杰作，也即说，它与《天上的爱与人间的爱》一样，是色彩处于最和谐的历史时期完成的。这画实际上是一幅肖像。画家对于女性的内心富有洞察力，这个花神既非豆蔻少女，也并不象征春天。作为丰腴的妇女形象，如果说是神，她只是盛夏的化身。弗罗拉(即“花神”)是意大利远古时所崇拜的司花女神，她不属于希腊神话，但作为青春的象征，早在古罗马时就被萨宾人作为农业神来崇拜了。后来意大利人把每年4月28日至5月3日定为花神节，节日期间人民有非常放纵的竞技会，常用玫瑰花来装饰自己和动物。花神这个形象从此也一直以年轻美女手持花束的姿态出现。提香在这里创造性地把她描绘成一个庄重妩媚的民间少女形象，她身上的外套刚滑落，手上还捏紧着衣服的一角，露出了洁白的古罗马式内衣，衬托了花神神情的典雅与肉体的丰满。这种女性美带有牧歌情调，女神垂着头，表现出沉思的样子。我们能从形象上看出乔尔乔奈的艺术的影子。

五、古典油画追求的是什么？

关于古典绘画的色彩，是与古代画家对明暗调子的追求有直接关系的，一幅画如果以明度对比为主导，色彩就要尽量单纯，同样道理，一幅画如果以色彩对比为主导，明度调子就要尽量柔和。比如印象派的画，色彩最为丰富，但如果拍成黑白照片，会发现明度调子很弱，连形象都很难辨识。而古代的画家从中世纪到文艺复兴，一直认为光与色彩是善变的幻想，只有形体才是真实的恒久的，所以他们追求在绘画中以坚实的造型来主导画面，而明暗调子对比是实现这一理想的最佳途径，同时，在色彩方面，画家们尽量使用无彩色系及原色和间色为主导，使人看起来颜色都很正。当然，这是理论层面上的，看很多名画就能看出这种倾向，但古代也有很多色彩的大师，比如维米尔，他的色彩是很微妙的，如果见过原作，会惊叹其色彩的魔力，惊叹在造型至上的时代也有如此善于用色的大师。

至于技术层面，古代画家用的颜料多是天然矿物磨制或从自然界动植物提取的，颜色种类不像现在这么丰富，搭配上却比现代讲究得多，每个画家都有自己的习惯用色。而且，因为没有管装颜料，都是现用现磨，所以在用量上也很计较，不像现代画家这么随意。这就限制了古代画家的用色，但是也练就了他们对色彩本身的控制能力，只用很少的颜色也可以调出丰富的变化，同时画面会比较容易协调。一个一流的大师的画布上，有时只有7到10种颜料，而他们的调色板上，每一天所用到的颜色种类往往更少，间接画法就是这样，有时一天之内只用三种颜料就足够了。

谈到古代画家的追求，不同时期不同风格，追求都是不一样的。

中世纪的圣像画家追求超脱于人世的神的光荣，他们的作品带有强烈的象征意味和神秘色彩，颜色与现实世界的固有色之间有着很大的差别，现在看来，他们追求的超脱世俗，也许正是艺术本身终极的追求。

文艺复兴时期的画家追求对永恒的赞美，还有对人类自身的英雄主义的赞美，他们最求在二维的画面上塑造雕像一样实在稳定的形象，构图也追求稳定，追求形体边界清晰的轮廓感，是一种最明晰的语言，毫不含糊，也反对玩弄色彩的魔术，反对花里胡哨的东西。

威尼斯画派到巴洛克、洛可可时期开始，艺术家开始从对神和英雄的赞叹转向对世俗的人的赞美，他们的画更容易满足人的感官需求而不是精神需求，形象的稳定感慢慢消失，光在画面里的作用渐渐明显，构图开始上下翻飞，色彩也渐渐浓重明亮，他们不追求恒定感，而是对瞬间视觉的捕捉，形象的轮廓线也不再处处清晰，但这时，画面仍是以明度调子为主导的。

学院派反对这种对幻象的追求，想回归文艺复兴的理想，不过事实上他们的色彩还是比古代要鲜丽，构图还是更复杂一些。

十九世纪的新古典和浪漫主义基本延续的还是这几种路子，不过他们更强调艺术和政治生活的联系，已经不再是单纯从视觉语言上做文章了。

再之后就有了印象派之类，就被划入现代艺术范畴了。